Переславль-Залесский - одна из жемчужин Золотого Кольца, древнейший город, огромное количество достопримечательностей.
Первый же вывод, который сам по себе напросился с первых же минут пребывания в этом городе - туда нужно ездить исключительно на личном транспорте, и больше никаких вариантов. Во-первых, это избавит Вас от трепыхания в общественном транспорте, ну а во-вторых, и это главное: если посвятить поездке лишь один день, то без личного авто просто физически не получится осмотреть все интересности, так как территориально они слишком далеко разбросаны друг от друга.
Наша компания поперлась как раз общественным транспортом: Пушкино - Сергиев-Посад - Переславль-Залесский. До Посада электричкой, до Переславля на автобусе прямого сообщения, который ходит два раза в сутки. Можно, конечно, добраться туда и автобусом с м.Щелковской, но выбранный вариант в нашем конкретном случае был более удобен.
Первое впечатление - автобус, и особенно его пассажиры, которые в основной своей массе представляют из себя типичных представителей сельчан из жопы. И хрен бы с этими престарелыми пенсионерами, самое жуткое - это быдло среднего возраста, которым ничего не стоит спихнуть бедных-несчастных туристов с их законных мест спереди в самую задницу автобуса, при этом угрожая физической расправой. Ну, все как обычно у нас в стране.
Приехав на автобусную станцию города Переславль, сложно поверить, что в этом населенном пункте вообще что-то есть (не говоря уже о чем-то интересном). Но великая вещь под названием карта всегда укажет дорогу в нужном направлении.
Первым посещенным нами объектом стал Горицкий монастырь, ныне музей. На подходе к монастырю открывается неописуемой красоты вид на Плещеево озеро, огромнейшего по размерам. По пути туда нас настиг ливень, так что именно монастырь стал нашим убежищем от природной стихии. На территории находятся церкви, соборы, наличествует бюст Юрия Долгорукого (основателя Переславля) и замечательная картинная галерея.


После монастыря в компании местной овчарки Дристл мы отправились к ботику Петра I, еще одному известному месту этого города, а точнее соседствующей деревни. Идти пешком от Горицкого монастыря до ботика составило где-то около часа времени. Единственное, что действительно производит там интерес - это собственно сам ботик "Фортуна" и очередной расчудесный вид на Плещеево озеро (на него откуда не смотри - всегда красиво). Пожрать в ресторане, который находится рядом с музеем, не удалось, даже несмотря на наличие свободных мест на улице, и лишь из-за того, что официантам, видите ли, холодно обслуживать клиентов снаружи. Пришлось закинуться "Сникерсом".

Обратный путь было решено проделать на такси, во время поездки на котором водитель ввел в курс дела - куда лучше пойти и что где посмотреть. Добросил он нас до центра города, за осмотр которого мы и принялись. В целях экономии драгоценного времени было решено проигнорировать музей Чайников и музей Утюга. Прямо в центральной части города находится Переславский кремль, старинное и красиво место, интереснейшей частью которого является заложенный Юрием Долгоруким Спасо-Преображенский собор. Сохранились и крутые земляные валы XII века.


Город вдоль и поперек мы не облазили, но очевидно, что если бы не огромное количество старых и не очень церквей и соборов, то город бы не представлял из себя чего-то необычного, и стариной особо не веял, но при этом более-менее ухоженный и аккуратный. И еще есть Университет. Есть где пожить, есть где поесть. Поесть можно как в обшарпанных забегаловках, так и в довольно приличных заведениях. Мы отобедали, наверное, в одном из самых дорогих заведений Переславля, но по карману это сильно не ударило - вполне демократичные цены.

Ужасно жаль, но некоторые другие монастыри и знаменитый музей паровозов посетить не удалось из-за отсутствия времени.
Спасибо ne6ula  и artemovtv  за компанию!

После выхода невероятно успешного "Disintegration" The Cure отправились в масштабное турне Prayer Tour. Ездили они, ездили, играли треки с вышеупомянутого альбома, а потом им вздумалось выпустить диск, причем только во Франции. Потом, как и в случае со сборником "Japanese Whispers", который изначально планировался только для Японии, из-за глобального интереса к данному релизу, было принято решение выпустить диск и в остальных странах Европы. Сам концерт, который распластался на этом диске, был записан в Лондоне в июле 1989-го года. Содержит он 8 из 12 песен "Disintegration" и больше ничего - ни нового, ни старого. Нельзя сказать, чтобы живые версии отличались от альбомных как-то принципиально, разве что звучат чуть-чуть побыстрее и более живенько. Некоторые, кстати, утверждают, что "Entreat" им нравится даже больше "Disintegration". Вопрос спорный, но можно сделать очевидный вывод: концерт это любопытный и качественный, но само по себе это издание рассчитано прежде всего для самых ярых фанатов группы хотя бы потому, что кроме "живости" не представляет более никакой ценности.

Режиссер: Джонатан Демми
В ролях: Энтони Хопкинс, Джоди Фостер, Скотт Гленн
----------------------------
Стопроцентная классика современного кино. Более чем справедливо можно назвать этот фильм безупречным. Во-первых, он поражает своей детальнейшей продуманностью и отточенностью, где нет места неточностям или спорным моментам. Отличная игра актеров как перового плана, так и второстепенного. Актеры, исполнившее главные роли, Джоди Фостер и Энтони Хопкинс, в жили в роль так, что их поведение на экране представляется даже не игрой, а образом жизни. Особенно тщательно к подготовке съемок подошел Хопкинс, который перелопатил не мало дел реальных серийных маньяков, посещал некоторые судебные процессы и даже бывал в тюрьмах. И Фостер, и Хопкинс получили Оскара за свою игру, причем последний появлялся на экране суммарно лишь 16 минут. Замечательно адаптированный сценарий по книге Томаса Харриса. Да чего там говорить, и все остальное отточено до блеска - режиссура, операторская работа, звук. Но даже этих ключевых, в общем-то, факторов было бы мало, чтобы сделать настолько идеальный фильм. Другой ключевой момент, который вызывает восторг - это стиль и атмосфера, удивительно правдоподобная и устрашающая. Может быть и можно, конечно, упрекнуть фильм в некоторой пафосности, характерной для Голливуда, но здесь это действительно мелочь, которая совершенно не обращает на себя внимание и уж тем более нисколько не напрягает.
Единственный момент, который может вызвать негативное ощущение от фильма - это банальное отсутствие интереса к подобным жанрам, к триллерам, где имеет место быть убийства, кровь, расследования. Некоторым людям такие истории могут показаться жестокими, но это, увы, суровые стороны жизни. Серийный убийца Баффало-Бил, дело которого расследуется в этом фильме - собирательный образ трех известных маньяков, для Ганнибала Лектера прототипом стал другой реально существующий маньяк. Да и вообще, это гораздо более глубокий фильм, он не просто об убийцах и убийствах, он в большей степени жизни и смерти, добра и зла в целом. И, безусловно, это шедевр в своей области.

Третий диск коробки о рождении кинематографа посвящен экспериментам и нестандартным подходам на заре кинооткрытий. Само по себе кино в конце XIX - начале XX веков было экспериментом, но находились такие люди, которые даже в чем-то только что открытом пытались открыть еще что-то новое. Поразительно, но параллельно с тем, как зарождался кинематограф, появлялись и первые эксперименты. И практически мгновенно интерес к простым бессюжетным съемкам стал пропадать. Появилась необходимость обогащать картинку чем-то динамичным и интригующим, каким-нибудь необычным жестом. Разумеется, эти эксперименты и открытия выглядят наивно по сегодняшним меркам, и скорее даже по современным меркам они и экспериментами-то не выглядят, но очевидно, что благодаря тогдашним стараниям режиссеров-первооткрывателей зародились такие ключевые для кинематографа понятия как, например, спецэффекты.
Английский продюсер и режиссер Сесиль Хепуорт не был новичком, когда в 1989-м году основал свою собственную студию Hepworth Manufacturing Company. Хепуорт не мало трудился для создания новых и свежих киноходов, и кульминацией его творений считается восьмиминутная "Алиса в стране чудес". Почему-то "Алиса" не попала в этот сборник, но зато здесь имеется некоторые другие его любопытные работы. Наиболее интересная из ранних - 1900-го года, в которой взрывается автомобиль, а полицейский затем недоуменно наблюдает, как откуда-то сверху падают части тел и вещи пассажиров. Впечатляет также творение 1905-го года - история про отважного и сообразительного пса, который отыскал похищенного ребенка. "Спасена Ровером", так называется вышеописанный фильм, состоит из 22 сцен и имеет достаточно сложное повествование для тех лет. Жанрово Хепуорт был минимально ограничен. И помимо почти детективно-фантастических сюжетов, снимал он также и комедийные, в которых также присутствуют эксперименты. В этом смысле потрясающе смотрится история про человека, которого нанюхали перцем, и тот чихал так, что вокруг рушилась витрины, падали столбы, затем и мир содрогнулся (покачивание камеры оказалось удачной находкой), а конце во время финального чиха человек просто... взорвался.
От компании Cricks And Martin имеется здесь лишь одно повествование - о том, как изготавливается печенье Peek Freans - от самого начала и до готового изделия. Не очень понятно, в чем новаторство этой ленты. Возможно в том, что это один из первых примеров преподнесения информации в кино в виде конвейерной обработки. Вообще посмотреть на эту, в общем-то, документалку весьма интересно, хотя бы даже с исторической точки зрения.
Нечто подобное тут представлено и от компании Kineto Production, только здесь центр внимания - добывание угля.
Pathé Frères - французская киностудия, работы которой на этом сборнике представлены довольно обширно. Эта достаточно известная студия, которая одна из первых работала, например, над макросъемкой. А в 1905-1906 годах ставились первые эксперименты, чтобы обогатить черно-белые работы цветом. Было несколько филиалов нескольких странах, на которые трудились множество режиссеров и актеров. Подглядывание уборщика через замочные скважины и используемые для этого съемки - действительно нечто новое для 1901 года, когда была снята эта лента. "История одного преступления" (реж. Фернана Зекка) - помимо того, что это сам по себе мега-увлекательный фильм для своего времени, он блещет и поразительными техническими наворотами - статичной передней картинкой и меняющимся задним планом в одной из сцен. Чуть более поздние, цветные работы по сути своей просто раскраски черно-белой пленки, но надо думать, какое впечатление это оказывало на тогдашнего зрителя. "Али Баба" и особенно "Алладин" помимо своей цветности имеют и другие очень важные ценности - это спецэффекты, о которых здесь уже можно говорить вполне серьезно: оживающие кувшины, самозамуровавшиеся дверные проемы, выпрыгивающие из волшебной сказочной лампы персонажи и пр. Неудивительно, конечно, но цвет применялся в основном именно для сказочных сюжетов. В остальном же использовался классический черно-белый способ. Но что касается цвета, то наиболее гармонично смотрится "Magic Bricks", где цветовая гамма выдержана лишь в оранжево-красноватой тонах и не блещет столь яркими и пестрыми цветами, как ранние цветные (точнее - "оцветненные") работы.
Засветились тут и три работы киностудии Эдисона, две из которых не представляют дикого интереса. Зато фильм про перебравшего алкоголя человека обращает на себя внимание. Речь идет даже не о том, что он пил, а том, что было после, а именно - головокружение. Для того, чтобы воссоздать видение головокружение, по всей видимости пришлось использовать несколько наложений пленки (или какой-то еще прием), и в результате получилось многослойное изображение: какие-то деревья на заднем плане, столб и человек, который вместе со столбом как-будто попал в бурю. Кроме того кровать, которая в прямом смысле слова прыгает по комнате, вскоре взмывает в высоту и уносится куда-то в небеса, пролетая над городом.
Конечно, сейчас, при просмотре всех этих исторических кадров волей-неволей на лице появляется улыбка из-за наивности и какой-то трогательности. Но важность всех этих открытий для развития кино просто неописуема.

Режиссер: Френсис Форд Коппола
В ролях: Марлон Брандо, Роберт Дюволл, Мартин Шин, Деннис Хоппер, Хариссон Форд
------------------------------------------------------

Слова Копполы звучат, конечно, гордо, но гордость, как известно, - не порок, когда есть чем гордиться. Действительно, этот фильм - непревзойденный шедевр. Кто бы что ни говорил, кто бы в чем не упрекал эту работу, очевидно, что она прошла проверку времени и не просто так приобрела статус культовой. И абсолютно не кривя душой к этому фильму можно применять самые яркие и пафосные хвалебные слова. Фильм получил море наград, но это даже не важно. Важно то, что он берет за душу. Как-будто он очень личный. Сложно найти подобный аналог, в котором тема Вьетнама, тема человеческой марали, людских взаимоотношений, переживаний, нравственности, жестокости была раскрыта настолько детально, настолько прочувственно и глубоко. Но помимо возвышенных эмоций, фильм, конечно, поражает своей масштабностью и спецэффектами.
Проект "Апокалипсиса сегодня" тянулся очень долго и вяло, и к моменту съемок особо влиятельным людям он уже казался сумасбродным. Тому была масса причин, в результате которых Коппола, который после двух "Крестных Отцов" был достаточно обеспеченным человеком, на свой страх и риск сам полностью профинансировал весь проект. Бюджет фильма оказался просто колоссальным по тем временам, и при просмотре видно всю эту дороговизну благодаря которой эта работа выглядит так натурально и правдиво. Но помимо бешеных капиталовложений, съемки и монтаж сопровождались огромным количеством серьезных проблем и трудностей. Позже Коппола в интервью говорил: «Мы делали этот фильм примерно так же, как американцы вели войну — нас было слишком много, мы тратили слишком много денег, и понемногу сходили с ума». Процесс съемок окутан легендами, про него написаны книги. Впечатляют визуальные эффекты, впечатляет глубина мысли, впечатляет и музыкальное сопровождение. Во-первых песня "The End" группы Doors, которая звучит здесь в двух местах, и это один из самых гармоничных сочетаний музыки и картинки в кинематографе. Второе главное впечатление от звука - "Полет валькирий" Вагнера во время вертолетной бомбежки.
Как показывает статистика, на монтаж серьезного кинополотна уходит где-то полгода, но на "Апокалипсис" ушло около двух лет. Первоначальный вариант длился в районе 5 часов, но из-за коммерческих соображений фильм был укорочен до 3-х. Трехчасовой вариант был продемонстрирован в Каннах, а для проката Коппола сократил ленту до 153-ти минут. Мысль выпустить более развернутый вариант картины не покидала Копполу, и в результате в 2007-м году свет увидела режиссерская версия под названием "Apocalypse Now Redux", в которую вошли 3 новых эпизода. Наверное эти эпизоды нельзя назвать принципиальными для сюжета, но уж точно они оказались не лишними.

Несмотря на то, что "Disintegration" считается лучшим альбомом группы The Cure, мнения фанатов о нем довольно неоднозначные. Но когда он вышел, то сразу приобрел бешеную популярность по всему миру, добравшись в Англии до 3-го места, а в Штатах до 12-го. И, безусловно, это самая взрослая работа группы на тот момент. Собственно, Роберт Смит и стремился, как он сам говорил, затмить популярность относительно легковесных поп-хитов чем-то более серьезным. Да, эта пластинка - возвращение к мрачным и депрессивным настроениям альбомов "Seventeen Seconds", "Faith" и "Pornography". Как говорят, Роберту Смиту и вправду было нелегко на душе тогда, когда группа записывала этот альбом, но все же в отличии от вышеперечисленных дисков, депрессивность этого порой кажется несколько надуманной, чем естественной. Идущей не от сердца, а от головы. Но в целом, будь то придуманное или непридуманное настроение, атмосферу разочарований и безысходности они воссоздали просто замечательно. Слушать ранний Кьеровский депресняк - все равно что пробираться через дебри, в то время как "Disintegration" очень красивый и вкусный альбом, содержащий гораздо более доступный и понятный материал. И все же диск хоть и мрачный, но это вновь поп-музыка, и совершенно не всецело грустная . Например "Love Song" - откровенная душевная поп-песня, и она замечательна. Чувствуется влияние времени, в которое записывался диск, но к счастью здесь сведены к минимуму всевозможные электронно-искусственные приколы вроде прихлопываний и притопываний, которые наблюдались раньше. Альбом с большим вкраплением искусственно синтезированных звучков, но смотрятся они натурально, аппетитно и совершенно не режут слух в наше время. Меланхоличный голос Смита обладает большой страстью и совершенно разными эмоциями, что четко демонстрирует песня "Pictures Of You", благодаря которой возникают очень разные эмоции. "Pictures Of You", несмотря на свою, казалось бы, светлую мелодию, - очень грустная песня. Один из наиболее впечатляющих моментов пластинки - вещь "Lullaby", напоминающая какой-то детский ночной кошмар. "Disintegration" - продуманный и целостный альбом. Прослушав его раз, понимаешь насколько он гармоничен, и представить себе другую последовательность песен просто невозможно. Нельзя сказать, что диск открыл новые горизонты для будущего развития группы, но он удачно продемонстрировал то, что Смит и его коллектив делают действительно здорово.
До начала записи Смита очень ужасала мысль, что ему уже 30 лет, но он не создал ничего гениального. Пребывая в грустном расположении духа и принимая ЛСД он начал писать песни, которые вскоре показал музыкантам. Он допускал, что они могли им не понравится, и в таком случае он записал бы их самостоятельно. Но материал пришелся им по душе и вскоре они приступили записи, во время которой Смит старался свести болтовню к нулю, чтобы добиться как можно более неприветливой обстановки. Во время записи альбома подошли к концу отношения с барабанщиком Лолом Толхерстом, по-скольку тот принимал алкоголь в таких количествах, что не был способен что-либо делать, кроме как смотреть MTV. В итоге его имя значится в списке музыкантов, принимавших участие в записи, но фактически Толхерст не привнес в альбом ровным счетом ничего. В результате Смит стал единственным постоянным участником The Cure со времен основания коллектива.
Говорят, что Смит вроде бы как никогда не хотел мирового признания, но успех "Disinegration" поставил The Cure на совершенно другой уровень, превратив группу в настоящих звезд международного масштаба.

Двойные альбомы - вещь неоднозначная. Очень многие двойные альбомы пострадали от большого содержания второсортного материала в них. Эта участь не миновала и The Cure. Сократи свое полотно хотя бы на треть, и получился бы более впечатляющий альбом. Балласт все же играет злую шутку, и такие номера как "The Snakepit", "Like Cockatoos", "If Only Tonight We Could Sleep" представляются через чур занудными и не шибко вразумительными. К сожалению, это не единственное, в чем можно упрекнуть эту работу. Добрая половина песен отсюда оказалась с головой накрыта попсовым влиянием 80-х. Даже такие их хиты как "Why Can I Be You" и "Hot Hot Hot!!!" представляются откровенно попсово-танцевальными и до безобразия характерными для восьмидесятых, со всеми примитивными синтезаторными фишками. Но абстрагировавшись от этих минусов, под толстым слоем штукатурки можно обнаружить и не мало чрезвычайно светлых мест, по-скольку некоторые вещи здесь просто бесподобны. Безусловно, самый яркий момент на этой пластинке - песня "Just Like Heaven", которую, слава богу, пощадили в плане синтезаторных "обогощений", и она звучит достаточно по-современному, а мелодия ее просто выше всех похвал - красивая лиричная и чертовски запоминающаяся. Нежная и атмосферная "One More Time" как-будто гипнотизирует и уносит куда-то далеко за горизонты мечтаний, напоминая и о земных переживаниях. "The Perfect Girl" - игрива и романтична, "All I Want" - немного мрачновата. Очень хорошо здесь смотрится тяжеловатые гитарные и агрессивные по настроению песни "Shiver And Shake" и "Fight", закрывающие диск, а открывающая его "The Kiss" сшибает с ног своим замечательным гитарным соло. И это не какой-то виртуозный соляк, это просто удивительно живописный фрагмент композиции, окутанный довольно мрачной и давящей атмосферой.
Наверное это самый разноплановый альбом The Cure на тот момент, в котором одни стили сменяют другие, в котором происходит постоянная смена настроений. И если не считать отдельных поп-выкрутасов, это очень взрослый альбом. Роберт Смит много экспериментировал и внедрил в звучание группы много новых для нее находок, как то струнные секции, фанковые ритмы и пр.
В свое время, когда стандарт аудио-CD не достигал 80-ти минут, чтобы уместить альбом на одном компакт-диске из него была выкинута песня "Hey You" (много не потеряли), но зато в Deluxe Edition справедливость восторжествовала и песня законно обосновалась на треке номер 8. Дополнительный диск не такой интересный, как было на других переизданиях - здесь много инструментальных версий, незначительно измененных видоизмененных дублей и концертных версий (и это, пожалуй, наиболее интересно). Жаль только, что не попала сюда живое исполнение песни "The Kiss" - очень интересно, как они играли ее тогда живьем.

Если уж кто-то и любит начинать знакомство с творчеством той или иной группы со сборника, то это компиляция - идеальнейший вариант. Во-первых, он тематический - здесь собраны синглы, то есть наиболее удачные и интересные вещи. В ситуации же с The Cure все их синглы начиная с дебютного "Killing An Arab" не плохо котировались в хит-парадах. Синглы выстроены в хронологическом порядке с начала и вплоть до синглов с "The Head On The Door", что тоже дает последовательную картину развития творчества коллектива, тем более такого непростого и неоднозначного как у The Cure. И здесь нет би-сайдов, которые зачастую интересны наиболее ярым поклонникам творчества коллектива, и порой представляют не совсем первосортный материал.
Так что на волне успеха "The Head On The Door" и благодаря вышеупомянутым предположениям, этот сборник также подвергся комерческому успеху.
Выходил он в разное время на разных носителях и носил разные названия. Изначально назывался "Standing On The Beach" и выходил на виниле и кассете (которая на стороне Б содержала би-сайды синглов), а при издании на компакт-диске был переименован в "Staring At The Sea". Кроме того выходило и видео, содержащее клипы ко всем синглам.
Обложка альбома (кстати, также имеющая разное оформление, но с присутствием того же человека) взята, по всей видимости, с серого и невзрачного видео-ролика к песне "Killing An Arab", а вариации названия сборника - из ее строк.

Видимо на душе у Роберта Смита стало гораздо легче и беззаботнее, так его новые музыкальные творения, по сравнению с ранними, становились все светлее и позитивнее. После небольшой смены состава (барабанщик Борис Уильямс сменил Энди Андерсена, которого выгнали за пьянство) группа записала новый альбом, и на "The Head On The Door" The Cure представляются, в общем-то, качественной поп-группой, музыкально синтезировавшей пессимистичные нотки с меланхолией и вполне жизнерадостным настроением. Такое ощущение, что на тот момент это их некая золотая середина, которая давала гораздо больше перспектив для большего успеха в массах. И этот диск получил по заслугам. Предыдущее творение "The Top" хоть и было вполне рассчитано на широкие массы, но там отсутствовали такие стопроцентные хиты, какие имеются на этом альбоме. "Inbetween Days", "Six Different Ways" и особенно "Close To Me" - это очевидные песни на века, настоящие боевики, шедевры мировой музыки. И будь на этой пластинке всего лишь три эти песни, ему вполне можно было бы присудить приличное количество звездочек в рейтингах. Остальные вещи, конечно, не балласт, но все же немного не дотягивают до уровня вышеупомянутых. При всем при этом альбом достаточно разнообразный в плане звучания, в котором помимо каких-то стандартных вещей можно найти и почти испанские мотивы ("The Blood"), и восточное влияние ("Kyoto Song"). Гитарная "Push" полна какой-то легкости и свободы, и мелодия этой вещи как-будто заставляет слушателя парить в облаках на закате. Но в корзине вкусных, спелых, сочных фруктов оказался один плод с гнильцой - это песня "Screw", которая даже выбивается из общей массы. Что касается фишек и прибауток звучания восьмидесятых готов, то здесь они хоть и ощущаются, но чуть в меньшей степени, а некоторые песни и вовсе звучат достаточно по-современному. Кроме того фирменная харизма Смита проявилась тут во всей своей красе. Получился очень гармоничный альбом, приятный и легкий для восприятия.
Весьма любопытен второй диск переиздания со всякими вкусностями, которые состоят не только из стандартного набора домашних, студийных и концертных раритетов, но из демо-записей песен,которые были забракованы и нигде более официально не изданы. Некоторые из них напоминают будущие окончательные альбомные вещи, а другие - ни на что не похожие весьма симпатичные вещи.

Очень любопытно было сходить на концерт Dream Theater, и воочию лицезреть этих настоящих профессионалов, прочувствовать живую атмосферу их ни с чем не сравнимой музыки. Наверное и не надо быть самым ярым фэном DT, чтобы получить кайф от их выступления, ведь это настолько разноплановая команда, что интересна она с совершенно разных точек зрения. И доказательство тому - совершенно разная публика, которая собралась на их концерте 10-го числа.
Нельзя сказать, что по ощущениям это был какой-то мега-раздушевный концерт. Музыканты вышли на сцену и показали то, чего ждала от них публика, безупречно выполнили свою работу. Видно, что они находились с головой в работе, и за счет этого их мастерство очаровывало и гипнотизировало, не оставляя ни малейшего ощущения отчужденности. Всегда казалось, что музыканты DT вообще не могут где-то промахнуться, будто они следуют какой-то хитрой невидимой математической формуле. Их партии и переходы выверены до малейшего нюанса, где нет места неточности. Это настоящее искусство. Пафос, понты, присущие их жанру и статусу, у них практически отсутствуют, что даже неожиданно и вместе с тем очень приятно. Особенно душевным был Портной, который то и дело строил гримасы, постоянно подбрасывал палочки (пару раз не поймал) и периодически швырялся ими в толпу. На втором месте по открытости был Рудесс. Мьянг был достаточно томным, Петруччи очень сосредоточенным, а похожий на настоящую гору ЛаБри порой немного демонстрировал актерский талант. Вообще смотрелись на сцене они очень здорово, и находись под рукой фотоаппарат, можно было бы сделать кучу потрясающих снимков. Но учитывая весьма приличную давку, это могли быть последние снимки, сделанные на взятый собой аппарат.
Звук. С первого же удара Портного о бочку, когда рухнул черный занавес между сценой и толпой, можно было свалиться с ног, до такой степени мощь низких частот пронизывала тело, и это бомбардирование продолжалось весь концерт, что порой доставляло некий физический дискомфорт (но это, конечно, от организма зависит). Параллельно барабанам и басу доминировала гитара Петруччи. Голос ЛаБри по началу, казалось, был несколько приглушен, но завалив за середину он стал звучать более сбалансировано. А вот чем весь концерт на сцене занимался Рудесс - было не очень понятно, клавишные которого были слышны лишь в моменты отсутствия прочих инструментов и во время "состязании" Рудеса и Петруччи в финале концерта.
Сет-лист концерта был откровенно безупречный - ничего лишнего, все самое главное, и все альбомы:
1. In The Presence Of Enemies Pt.I ("Systematic Chaos")
2. Beyond This Life ("Metropolis Part 2: Scenes From A Memory")
3. Take The Time ("Images & Words")
4. A Rite Of Passage ("Black Clouds & Silver Linings")
5. Hollow Years ("Falling Into Infinity")
6. Panic Attack ("Octavarium")
7. Erotomania ("Awake")
8. Voices ("Awake")
9. Solitary Shell ("Six Degrees Of Inner Turbulence")
10.Constant Motion ("Systematic Chaos")
11. Spirit Carries On ("Metropolis Pt. 2: Scenes From A Memory")
12. As I Am ("Train Of Thought")
13. Pull Me Under ("Images & Words")
14. Metropolis/Learning To Live/The Crimson Sunset ("Images & Words"/"A Change Of Seasons")
Список слизан с просторов Интернета.
Огромное-приогромное спасибо the_slider04  за возможность увидеть все это превосходное действо, ну и главное - за компанию! =)
И еще, пользуясь случаем, так сказать, хочу поблагодарить cordique  и nulander , которые когда-то открыли мне сей замечательный коллектив!
А также привет v_impaler , очень приятно было встретиться!

После записи "The Top" Роберт Смит вновь собрал полноценный музыкальный коллектив, пригласив Томпсона и Толхерста, а также ритм-секцию Торналли-Андерсона, и отправились в турне "Top Tour". Записи концертов в Лондоне и Оксфорде легли в основу первой концертной пластинки группы. Стоит отметить, что живьем The Cure звучат сильно и убедительно. Многие вещи с "The Top", а также поп-синглы, зазвучали как-то более по-настоящему, более живо и натурально. Интересно, например, как в "The Walk" они смогли фирменный синтезаторный проигрыш реализовать гитарным способом. "Shake Doll Shake" звучит мощно и жирно, но весьма похоже на оригинальную студийную версию. Отлично здесь смотрится версия "Chatlotte Sometimes". Материал этого концертника состоит не только из последних нашумевших хитов, но и из их более раннего периода. В депрессивных "Forest", "Primary", "One Hundred Years" тоже как-будто вселилось больше жизни, больше бодрости, при этом тревожное настроение этих вещей сохранилось. Закрывают концерт всеми любимые первые хиты - "10:15 Staurday Night" и "Killing An Arab".
Такие концерты позволяют растворить строгие стилистические рамки совершено контрастных по своей структуре и по своим ощущениям песен, добившись в целом очень органичного звучания. И особенно хорошо это ощущать на концертных записях именно тех времен.
Издание этого концертника на аудио-кассете включало в себя также целую Б-сторону, состоящую из всевозможных редкостей, и при переиздании на CD эти раритеты включены не были, зато все они потом появились на переиздании к другим стуийным дискам.

Середина 80-х для The Cure - это некий переходный период, как в музыкальных, так и в личностных отношениях. Роберта, по всей видимости, все окончательно достали, и он решил записать следующий альбом группы собственноручно лишь с небольшим привлечением Толхерста, сыграв абсолютно на всех инструментах кроме барабанов, пригласив на эту должность Энди Андерсона. Кроме того поучаствовал здесь старый товарищ Порл Томпсон, который тут немного посаксофонил. "The Top", наверное, - самый неоднозначный альбом среди фанатов группы. Но очевидно, после серии мрачных пластинок этот воспринимается как глоток свежего воздуха. С одной стороны "The Top" ближе к предшествующим синглам (это тоже поп-диск, в общем), изданных на "Japanese Whispers", но здесь оказалось больше открытых дверей для проникновения разных стилистических влияний, а всевозможные электронно-синтезаторные фишки отошли чуть в сторону, но в целом в изобилии присутствует откровенное дурацкое звучание 80-х. Интересная для The Cure находка тут - это некая пелена психоделии, которая окутала саунд всей пластинки, создав определенную атмосферу, причем несколько пришибленную. Нельзя сказать, что это очень удачный альбом с музыкальной точки зрения, и многие песни представляют из себя проходные номера.
"Shake Doll Shake" - настоящая рок-песня, и кажется будто записана она была какой-то стадионной рок-группой, мощной и масштабной. "Waiting Wall" - самая психоделичная композиция пластинки. Лиричная и красивая "Dressing Up", маршообразная "The Empty World", придурковатая "Bananafishbones" - довольно запоминающиеся моменты с необычными переходами и аранжировками. Впечатляет концовка, семиминутная заглавная вещь "The Top". довольно томная и немного мрачноватая композиция, которая даже подошла бы под титры какого-нибудь не очень страшного ужастика. Но самая блистательная песня отсюда - "The Caterpillar", светлый, позитивный и жизнерадостный трек, изданный также синглом.
Кто бы что не говорил про эту пластинку, но она оказалась вполне успешной и даже пробилась в американский хит-парад.

Кто знает, что творилось в голове у Роберта Смита, но в один прекрасный момент ему, видимо, осточертело играть всю эту мрачную грустную музыку, и вскоре The Cure материализовались в нечто совершенно новое, и в их творчестве появился новый горизонт - откровенная поп-музыка. После выхода "Pornography" The Cure четко застолбили за собой статус одной из самых депрессивных групп, и ожидать от них чего-то светлого было просто невозможно. Но тут свет увидел новый на тот момент сингл "Let's Go To Bed", который и ознаменовал новый этап в развитии музыкальных идей Смита и его команды. Сам Роберт называл эту легковесную развеселую вещь песней "для прессы". Стилистически эта песня очень яркий пример поп-музыки 80-х годов, со всеми характерными аранжировками, прибамбасами, притопами-прихлопами и синтезаторными наворотами. The Cure тогда звучали именно так, но апофеоза такого саунда они добились на следующем сингле "The Walk", где поп-электронщина льется как из рога изобилия, причем "The Walk" - это еще и танцевальная песня. Но наверное самая занятная, интересная и яркая песня того периода неальбомных синглов - это вещь "The Lovecats", в которой очень неожиданно электроника уступила место откровенно приджазованному звучанию. Эта слегка чудаковатая вещица просто не может не обратить на себя внимание, и мелодия сама собой откладывается в голове.
Все эти вещи были записаны в урезанном составе, который включал в себя лишь Смита и Толхерста. Эти три сингла со всеми Б-сторонами планировали издать на отдельном альбоме и выпустить его только в Японии, однако был сделан международный релиз, и вскоре пластинка "Japanese Whispers" появилась на прилавках магазинов.
Какой можно сделать вывод? The Cure изменились до безобразия, но главное, что их новые творения оказались интересны. Кроме того этот период - огромный шаг к всемирной популярности группы.

Режиссер: Тони Кэй
В ролях: Эдвард Нортон, Эдвард Ферлонг
----------------------------------------------------------
Что ответить на вопрос "О чем этот фильм?" Фильм о скинхедах? Возможно, у многих сразу пропадет желание смотреть его. А это крайне не правильно, так как фильм гораздо глубже и интеллектуальные. Да, это очередная история о расовой и этнической нетерпимости, и нельзя сказать, что история эта преподнесена здесь под каким-то уж совсем необычным ракурсом. Во-первых, тема эта и без того интересная, но главное - есть здесь какие-то невидимые ниточки, которые дергают за сознание. Эта тема достаточно скользкая, особенно для американского кинематографа. Одно неправильное движение, намек в ту или иную сторону - и все, могут закидать камнями, обвинив в в симпатии к нацизму, а примкнув к крайне противоположной точке зрения тоже можно выхватить пинков. Удивительно, но этот фильм в данном смысле нейтрален, и нейтральность эта выглядит на самом деле идеально. Зрителю абсолютно не навязывается чье-либо мнение, и из-за этого сложно понять, кому же сочувствовать, к кому проявлять симпатию. Здесь, к счастью, нет большого количества сцен с драками, разборками. Лишь несколько ключевых сцен с убийствами. Но даже с такой относительно спокойной атмосферой фильм представляется все-таки жестоким. Этой истории нет конца. Таких историй существует масса, таких людей существует масса. И главное, что этот фильм не только затрагивает расовую проблему, но и раскрывает вопрос личности (и это, наверное, прежде всего). Становление личности, формирование собственных взглядов, выбор авторитетов и их влияние. Еще один главный вопрос здесь - ненависть с ее причинами и следствиями.
Безусловно, это актуальный фильм для любых времен, ведь проблемы, затрагивающиеся в нем, беспокоили и будут беспокоить вечно.
Похвалы заслуживает как режиссерская и операторская работа (спасибо Тони Кэю), так и актерская игра главных героев - Эдварда Нортона и Эдварда Ферлонга. Такое ощущение, что Нортон - не Нортон, а именно тот, кого он играет. Ферлонг, играющий брата Нортона, проблемного парня, также справился со своей не простой ролью великолепно, особенно учитывая его юный возраст.

Вторая часть коробки зарождения кинематографа посвящена Европейским первооткрывателям. Если в первом томе создатели собрали в основной массе основополагающие работы, давшие начало вообще действию на экране как таковому и созданию системы воспроизведения достаточно длительного движущегося изображения (не считая нескольких осмысленных кинолент), то здесь делается акцент на первые сюжетные задумки, на первые осмысленные работы. Временные рамки здесь те же, совпадают и некоторые режиссеры, отличается главным образом подход восприятия.
И вновь всплывают уже знакомые имена Луи и Огюста Люмьеров. Их массовые киносеансы включали в себя около десятка работ, продолжительностью приблизительно 50 секунд каждая. Как правило сначала демонстрировалась просто "движуха" - "Выход рабочих с фабрики Люмьер", "Завтрак ребенка", "Разрушение стены" (иногда также демонстрировали задом-наперед) и др. Под конец, в качестве кульминации сеанса, оставляли самое вкусное - "Прибытие поезда" и "Политый поливальщик". Обе съемки имеют огромное значение для развития кино. Многим знакомо "Прибытие поезда", особенно по знаменитой истории, когда тогдашние зрители, видя едущий по диагонали поезд, вскакивали с мест и с ужасом выбегали из зала. Настолько был силен эффект, доселе ни с чем не сравнимый в изобразительном искусстве. Особый интерес представляет "Политый поливальщик" как, пожалуй, первый в истории постановочный фильм с сюжетом, имеющий основные его признаки: экспозиция, завязка, развитие, кульминация, развязка (человек поливает из шланга траву, мальчуган наступает на шланг ногой, человек недоуменно смотрит в шланг, парень отпускает ногу и струя воды ударяет в лицо поливальщика, поливальщик бьет мальчика). Это чертовски важный для кино фильм, который положил начало игрового кино.
Не малую роль для развития кино сыграл Бирт Акрес, который помимо того, что был изобретателем, создавшим свое кинооборудование, он также и снимал фильмы. На диске представлена всего лишь одна его работа "Бушующее море в Дувре", снятая совместно с Робертом Уильямом Полом. Этот фильм продолжительностью 39 секунд был первым фильмом вообще, показным на территории Англии, и вскоре после большого успеха этой ленты, она была также показана в Америке.
Довольно приличный раздел диска посвящен творениям вышеупомянутого англичанина Уильяма Пола. Уильям Пол практически одновременно с Люмьерами создал съемочную кинокамеру и проекционный аппарат. Снимал он сначала бессюжетные фрагменты, но вскоре, находясь, как говорят историки, под впечатлением от постановочных работ тех же Люмьеров, начал сосредотачиваться на сюжете. Первый его игровой фильм увидел свет в 1897 году. И у него оказалось не мало интереснейших и новаторских картин. "Деревенщина и кинематограф": на переднем плане стоит countryman и всячески реагирует на то, что происходит на заднем плане, а на заднем плане изображен экран с постоянно меняющиеся отрывки фильмов. "Шахматная ссора": идет игра, шахматисты начинают ругаться, затем драться (причем на экране их силуэты видны лишь по плечи), а потом их разнимают. "Extraordinary Cab Accident": человека сбивает лошадь с экипажем, он лежит, казалось бы, мертвый, но потом встает и как ни в чем не бывало убегает. Неизгладимое впечатление оставляет фильм "The Motorist", когда двое едут на машине, их останавливает полицейский, они от него уезжают, едут прям к стене, и тут машина под углом 90 градусов продолжает ехать по стене вверх, взгромоздясь на крышу, затем в небо, затем к звездам, едет по луне, по облакам и вскоре благополучно грохается в зал суда, а оттуда - на улицу, где превращается превращается в экипаж, потом опять в машину. Все эти работы были сняты в 1901-1906, и очевиден совершенно нетривиальный подход Уильяма Пола, ни с чем не сравнимый до этого.
Джордж Альберт Смит, также как и Уильям Пол, представители так называемой "Брайтонской школы", первые использовали не просто монтаж между сценами, а внутриэпизодный монтаж. У Джорджа Смита это можно наблюдать, например, в работе "Бабушкина лупа" (1900 г.). Но и этот трюк было не единственным их ноу-хау. В фильме "Дайте мне еще немного помечтать" Смит впервые применил идею с монтажным переходом через нерезкость. "Несчастный случай с Мэри Джейн" любопытен не только своим занятным смыслом, но и оригинальными крупными планам и спецэффектами. Безусловно, эти находки значительно опередили свое время.
Имеются тут пара довольно остросюжетных фильмов. "Daring Daylight Burglary" (1903) производства Sheffield Photographic Co. режиссера Фрэнка Моттершоу - настоящий захватывающий триллер с погонями и убийствами. "Desperate Poaching Affray" (1903) от Уильяма Хаггара и его Haggas & Sons - очень динамичный сюжет, очень динамичная съемка и снято под влиянием американского "Большого ограбления поезда"
Работы от Bamford & Co, собранные на этом DVD, состоят из нескольких переделок на "Поцелуй в тоннеле", "Политого поливальщика", а также несколько новаторских фильмов.
Конец второй главы посвящен рабом студии Уильямсона, включающей такие работы как "Нападение на китайскую делегацию", "Держите вора" и др. Но особенно новаторскими смотрятся два фильма. Первый из них - "Большая ласточка", в котором показан человек, что-то рассказывающий, затем камера начинает наезжать на его рот и вскоре создается ощущение, будто человек съел эту камеру, а потом показывают человека с камерой и штативом как бы вор рту как в пропасти. Другой фильм - "Интересная история". Комедийный рассказ про человека, который зачитывался некой книгой до такой степени, что не видел вокруг себя абсолютно ничего и никого, из-за чего вскоре угодим под каток. Спасти жизнь ему удалось, но как? Его накачали насосом как резиновый мяч, и он встал и пошел. Последний фильм явно отдает каким-то сюрреализмом, граничащим с черноватым юмором.
Вот такие они были, европейские киношные первооткрыватели, которые шагали семимильными шагами, каждый год, а то и месяц изобретая новые ходы, нестандартные приемы, вселив жизнь в кинематограф, и вдохновив не один десяток режиссеров

"The Movie Begins" - это уникальное издание на 5 DVD, включающее самые первые киноопыты. Горы фильмов раннего кинематографа, работы режиссеров, операторов, изобретателей, заложивших начало эпохи кино. Короткие и относительно продолжительные фильмы, культовые киноработы, эксперименты, новаторские ходы - все это можно пронаблюдать здесь. Удивительное собрание, которое дает объективнейшую картину развития кинематографического искусства. Все диски снабжены речевыми комментариями на английском языке. Эта коробка - отличная возможность разобраться в истоках кино.
Итак, том первый, "The Great Train Robbery & Other Primary Works".
Что такое кино? По сути это последовательная смена движущихся плоских изображений. Именно с этого все и началось - просто набор фотографий, соединенные воедино. Такие эксперименты ставил Эдвард Мейбридж еще в 80-х годах XIX века. Целью было добиться просто движущегося на плоскости объекта, и Мейбридж успешно добился этого. Но его работы тех времен выглядят как очевидная смена картинок, лишь издалека напоминающую анимацию. Мейбридж был прежде всего фотографом.
Для того, чтобы зафиксировать и затем демонстрировать результат необходимо было три устройства: высокочувствительная пленка, хронофотографический аппарат для съемки и проектор быстро сменяющихся изображений для демонстрации. Пионеров в этом направлении есть несколько, но особо выдающихся результатов добился Томас Эдисон и его инженер Уильям Диксон, благодаря которым на свет появился так называемый "Кинетоскоп Эдисона". Случилось это в 1893 году, и результаты работ Эдисона представлены на этом диске, которые охватывают период 1894-1896 гг. Эдисон запечатлевал силачей, боксеров, поцелуи влюбленных, петушиные бои, процесс бриться, и эти отрывки длились едва ли минуту.
Но Эдисон был не единственным гением. Параллельно с ним творили братьев Люмьер - Огюст и Луи. Их работы, пожалуй, не сильно отличаются от работа Эдисона. Люмьеры снимали купающихся детей, прогулки в парке, зверей в зоопарке, процесс фотографирования, комиков, поезда. Правда фрагменты Люмьеров были чуть более продолжительными по времени.
В 1895-1896 гг во всех крупных мировых столицах состоялись публичные демонстрации кинофильмов.Сеансы состояли из коротеньких фильмов, побитых по жанрам.
Аппаратура, которая оказалась доступной во всех отношениях, получила достаточно широкое распространение и постепенно кинематограф стал рассматриваться не просто как научный эксперимент, а как составляющая мировой культуры.
Сам Эдисон рассматривал свое творчество как коммерчески выгодное развлечение, Люмьеры в историческом аспекте, но стали появляться и те, кто видел в кинематографе гораздо более широкие возможности.Одним из таких людей был Жорж Мельес, театральный режиссер, сценарист и актер. Он рассмотрел кино как возможность обогатить ограниченные возможности театральной сцены, прежде всего спецэффектами и дополнительными трюковыми возможностями. Своими работами Меьес, в общем-то, поставил кинематограф на другой уровень, на тот уровень, где допустимы нереальность, фантастичность, волшебство. И что самое главное, Мельес доказал, что кино может быть искусством. Он импровизировал с вариантами съемок, рассматривал камеру как точку зрения зрителя. Также он, возможно, первым применил монтажную склейку между эпизодами. Самая яркая его работа - это знаменитый "Полет на Луну" 1902 года. Безусловно, это революционная работа для своего времени. Мельес проделал титанический труд, создав в своей собственной студии ни с чем не сравнимые декорации, спецэффекты, отработав лично сценарий. Некий ученый делает доклад, который доказывает возможность полета на Луну, остальные его поддерживают, и вскоре построенный ими корабль в виде пули взмывает вверх и устремляется на Луну, четко попадая Луне в глаз (и это поистине хрестоматийный момент в истории кино). На Луне они встречаются с местными жителями (сыгранные между прочим профессиональными каскадерами), настроенными достаточно агрессивно. Людям приходится убивать Луновчан, которые после убийства взрываются. Очень впечатляющие моменты, также как и превращающийся зонт в гриб. Затем люди взбираются на свой корабль и кубарем падают вниз, в итоге приземляясь в океан на Земле. Остается только догадываться, какое бешеное впечатление оставляло все это происходящее в те времена.
На рубеже веков таких полноценно постановочных фильмов было не так много. Самая распространенная идея заключалась в том, чтобы запечатлеть на камеру какие-нибудь события, чему и посвящен один из разделов данного диска. Собраны здесь очень впечатляющие съемки с едущего поезда, крупного пожара и его последствий, падение аэроплана, Съемка Московских видов.
Снимались тогда и легковесные фильмы с налетом кокетничества - спасающиеся о пожара полураздетые девушки; переодевающиеся актриса театра; толстая мадам, примеряющая корсет и пр. Обнаженные женские тела практически не показывают, но зато на них можно было налюбоваться еще на "фотонарезках" Мейбриджа 80-х годов XIX века.
Один из переворотов в истории кино - фильм "Большое ограбление поезда", снятый в 1903-м году. Мало того, что это первый в истории вестерн, это также один из первых очень серьезных работ с точки зрения сюжета. 12 минут экранного времени от режиссера Эдвина Портера, снятой на студии Эдисона, вызвали настоящий фурор в кинематографических кругах. Портеру после увиденной им ленты "Полет на луну" захотелось создать нечто подобное в плане эффектов и впечатлений, и ему это более чем удалось. Главный его трюк здесь - это смена эпизодов, создающая впечатление одновременности экранного действия. Всего в фильме имеется 14 сцен. Выглядит весьма убедительно и, главное, новаторски. И, конечно, это яркий пример возрастающего в начале XX века интереса к более сложным сюжетам и непростым повествовательным конструкциям. Смешно, конечно, но бюджет фильма составил всего 250 долларов, в общем среднестатистическая сумма для кинопроектов.
Завершает первый диск две истории: про семейку Dam 1905-го года (во время которой на экране показывают всех членов семьи и в конце их собаку), а также очень сильный в плане спецэффектов фильм "Золотой Жук" 1907-го года.

"Pornography" - безусловно, кульминация депрессняка от The Cure, и вместе с тем завершающий и определенно лучший альбом их мрачного музыкального путешествия, начатого с "Seventeen Seconds" и продолженного в "Faith". "Pornography" - это целый поток безысходности, настоящий монументальный и очень целостный пласт музыкальных произведений, который в совокупности производят просто бешеное впечатление, не способное оставить равнодушным. Если прослушать эту пластинку с толком и расстановкой, пропустить это творение через себя, то после каждого прослушивание можно остаться морально опустошенным. Этот альбом без единого проблеска, настоящий монолит, в общем-то, негатива. От него лихорадит. Бездна отчаяния, полного мрака доведены здесь до настоящего помутнения рассудка. Каждая последующая композиция как кирпич способствует построению стены, то есть все сильнее и сильнее усугубляет (ну, или втягивает) эту трясину безысходности.
Конечно, The Cure не единственные, кто смогли своими музыкальными отрицательными мыслями "подгадить" настроение. Достаточно вспомнить Флойдовскую "Стенку" или настрой Йена Кертиса и Joy Division. "Pornography" можно смело поставить на один уровень с ними. Сложно здесь выделить какие-то отдельные песни, по-скольку альбом слушается действительно неразрывно, и не одна вещь не стоит особняком, особенно конец диска, когда даже перестаешь различать треки. Самая известная песня отсюда, и она же единственная, выпущенная в качестве сингла с альбома, - это "The Hanging Garden", на которую также был снят весьма атмосферный, но немного примитивный по современном меркам видео-ролик.
В общем, если слово "блистательный" можно применить к альбому с таким жанром, то это именно такой альбом.
Бонус-диск переиздания этого творения по обыкновению включает глыбу концертных и студийных раритетов, которых найти где-либо еще не представляется возможным, но особый интерес вызывает 13-минутная песня-саундтрек к фильму-призраку (такое ощущение, что никто не знает о его существовании) под названием "Airlock". Но любопытна она исключительно с исторической точки зрения, так как музыкально это совершенно бесотлковый номер. Хорошо, что Роберт Смит не зажадничал всего этого эксклюзива для общественности.

Продолжение трилогии депрессивных альбомов The Cure. Роберт Смит по-прежнему представляется слушателям неким типом с суицидальными наклонностями. По-прежнему все мрачно, грустно, тоскливо, безысходно и очень болезненно. В "Seventeen Seconds" ярких и запоминающихся песен было, пожалуй, больше, но зато "Faith" более атмосферный и целостный альбом с меньшим количеством острых углов. Атмосферный, но немного однообразный - каждая песня неспешно перетекает в другую, с подобной структурой и, конечно, настроением. И лишь вещи "Primary" и "Doubt", довольно жесткие на фоне остальных номеров, несколько разбавляют общую картину. "The Funeral Party" - настоящая самоубийственная песня, от которой хоть на стенку лезь. Немного напоминает будущие творения композитора Анджело Бадаламенти для кинофильмов Линча. Впрочем как и "All Cats Are Gray" - одна из многими любимых песен с этого диска. "The Drowning Man" очаровательна своим неповторимым настроением полной безысходности. В каждой песне альбома присутствует жирный дребезжащий бас (на студийных демо бас такой, что вот-вот порвет динамики), типичные для 80-х ударные. Вообще саунд The Cure для тех времен вполне модный, но при этом они звучат очень по-своему, ни на кого не похоже.
Очень интересен аут-тейк "Primary", которая звучит здесь кардинально иначе, как будто другая песня. "Going Home Time", "The Violin Song", "A Normal Story" - не попавшие на пластинку композиции, записанные, правда, сыровато, но тем не менее производящее впечатление. Присутствует здесь и одна интересная вещица - "Charlotte Sometimes" - не альбомный сингл, который правда на фоне огромного количества компиляций не представляет интерес. Но просто как песня - это отличный плавный мостик к продолжению мрачникянской трилогии - "Pornography".

Режиссер: Даррен Аронофски
В ролях: Эллен Бёрстин, Джаред Лето, Дженнифер Коннелли
--------------------------------------------------------------
Двоякое ощущение может оставить эта работа, но очевидно одно - это очень нестандартное творение, и интересно оно хотя бы даже из-за этого. Даррен Аронофски, режиссер, создал до невозможности депрессивную, давящую, безысходную обстановку. Фильм полон боли, страданий, переживаний. Фильм опускает зрителя на дно жизни и показывает то, чего кто-то никогда не видел, никогда не увидит или просто не желает видеть. Но эти вещи не то, что нужно знать, их нужно прочувствовать, и данная работа если не может полностью заменить личный опыт и ощущения, то по крайней мере может погрузить в эту атмосферу. По ходу фильма возникают вопросы, на которые сложно найти ответ. Это риторические вопросы. Но также во много это фильм-подсказка. Также он в миллионный раз доказывает, насколько прекрасна жизнь без наркотиков, и речь идет не только о героине или ЛСД. Наркотик в данном случае - вещь метафорическая. У всех есть свои привязанности, и с ними сложно расстаться, и, возможно, именно поэтому некоторым этот фильм смотреть тяжело. Но это, в принципе, догадки, и даже если не копать так глубоко, не пытаться найти какие-то глубинные камни, то и без того сюжет фильма потрясает. Нельзя не остаться без впечатления после просмотра, нельзя после просмотра прибывать в приподнятом настроении, и нельзя забыть этот фильм - он надолго останется в памяти. Несомненно, это нужная, полезная и чертовски сильная по воздействию картина.
С художественной точки зрения интерес представляет режиссерская работа: необычные ракурсы, рекордное количество монтажа (боле 20000, в то время как в среднем обходятся 6000-7000), сверхблизкие планы. Поражает то, как Аронофски показал переход от мечты до их реквиема, к концу сгустив краски так, что не знаешь куда себя деть. Лето, осень, зима - и все, ничего больше не осталось.
Если в двух словах попытаться описать сюжет, то сложится, наверное, не самое правильно впечатление. Это тот случай, когда ни одно описание, ни один пересказ не способен полностью описать настроение и подачу идей.

Режиссер: Орсон Уэльс
В ролях: Чарлтон Хестон, Джанет Ли, Орсон Уэллс, Марлен Дитрих
-------------------------------------------------------------------
Стопроцентный шедевр кинематографа, классический фильм Орсона Уэльса, выдержанный в стиле нуар. Считается, что это чуть ли не последний фильм в данном жанре, по-скольку таковой приказал долго жить уже к концу 50-х годов. Но вообще в фильме много черт, которые не очень характерны нуару с операторской и монтажной точек зрения. В те времена издатели посчитали, что фильм слишком провокационный и перемонтировали фильм под себя, что, конечно, вызвало большое негодование режиссера. Здорово, что все же через десятки лет у зрителей появилась возможность лицезреть настоящую авторскую задумку. По этой ли причине или нет, но в те времена эта картина не была встречена по достоинству, но зато сейчас она входит в сотню лучших триллеров.
"Печать зла" - это интриги, заговоры, подставы, убийства. Здесь впечатляющий, но запутанный сюжет. С первого раза порой уловить сложно, особенно в начале повествования. Будучи уже не таким красавцем как в начале своей карьеры, а уже толстым и непривлекательным персонажем, Орсон Уэльс сыграл здесь одну из главных ролей, причем сыграл изумительно, воплотив в себе характер настоящего негодяя. Впечатляет игра и остальных актеров, в особенности замечательной Джанет Ли.
Почему, собственно, "Печать зла"? Есть один мелкий городок на границе между Мескикой и Америкой, и он как-будто отмечен злом. В нем постоянно происходят какие-нибудь неприятности криминального характера. Фильм начинается со взрыва машины, в которой находился толстосум-американец со своей любовнице из стриптиз-клуба. Свидетелем этого происшествия стал мексиканский полицейский из наркоконтроля Рамон Мигель Варгас, который со своей женой Сьюзи направлялся в Америку. Расследование этого дела сведет воедино совершенно разных персонажей: коррумпированного американского следователя, местного бандита со своей шайкой, а также вышеупомянутых Рамона и Сьюзи.